O filme propõem uma reflexão sobre as relações tóxicos existentes em torno do cotidiano desse corpo através de uma pergunta inquietante: Preferes estar com segurança e viver sem liberdade ou entre o caos da liberdade sem segurança?

“A Besta Obsessiva” é uma esquete criada por Bianca Terraza a partir de uma matéria-virtual (Pandemonólogos - Live-me ou deixe-me / Universidade de Brasília) comandada pela professora-artista Simone Reis durante a pandemia.
A cena consiste em uma livre adaptação do texto “Os Malefícios do Tabaco” escrita por Anton Tchekhov. O texto da esquete é criado por Bianca a partir de experimentações seguidas da ideia de se curar um vício com o uso de um violão, permitindo que o inusitado habitasse em cada experimentação. Orientada por Simone Reis, a atriz busca invocar, em sua criação, o ridículo, o absurdo e a ludicidade das ações. Deseja, em sua esquete, convidar o espectador à um delírio patético. Em cena, a atriz e o seu violão buscam se tornar Raquel Pereira da Silva: A Santa-de-ferro sem vícios e sem alma.

A quarentena nos apartou, mas também nos obrigou a identificar outras maneiras de nos sentirmos pertencentes à mesma existência, às mesmas alegrias e medos, aos desejos tremendamente humanos. De repente, muitas das coisas que dávamos por garantidas estavam suspensas e, à revelia de nossas incertezas, a natureza seguiu seus planos exatamente como antes: o céu sobre nossas cabeças, a terra sob nossos pés, e entre eles um acordo inviolável de movimento. O texto nasce justamente a partir do céu, o real e o imaginado, esse tecido para o qual olhamos desde a ancestralidade em busca de direção, horizonte, futuro.

O espetáculo é uma experiência sonora e imagética criada coletivamente a partir da obra “Woyzeck”, do dramaturgo Georg Büchner, na qual um homem se submete a se tornar um experimento científico como forma de conseguir dinheiro. O coletivo se colocou na relação com a obra buscando criar possibilidades de sonho diante de um mundo em que nos parece impossível sonhar e criou uma dramaturgia autoral que transforma as questões investigadas em experiência cênica a partir de textos, ações, imagens, musicalidade e poesia.

Sinopse
Em tempos de guerra e fome Maria e seu irmão João enfrentam o medo do abandono, o escuro da floresta e os terríveis planos de uma bruxa. Com coragem, inteligência e de mãos dadas fazem a travessia que os levará de volta para casa.

O Núcleo de Improvisação pesquisa a improvisação em dança desde 2006. Em 2020/21, a pandemia desloca o espaço possível para o improviso do palco para as telas e transforma as coordenações, estratégias e possibilidades dos gestos. "A gente... vai dançar" é um registro de tentativas e descobertas

Três indivíduos estão em suas casas em meio à pandemia. Usando suas próprias câmeras, mostram as tarefas cotidianas e os momentos de angústia e revolta, ressaltando as semelhanças e diferenças do dia a dia. A realidade dos atores se mescla com a ficção, convidando o espectador a adentrar suas casas.

Eu nunca contei isso pra ninguém. Eu nunca esqueci o primeiro homem que me tocou. Hoje eu sou capaz de nomear minha dor. Mesmo sem acreditar em Deus, eu orei baixinho pra que ele não viesse atrás de mim. Eu preciso falar sobre o que me aconteceu.

Aos interessados, viemos por meio desta informar que existem incongruências em nossas certidões de óbito. Exigimos que as causas mortis atuais sejam substituídas pelas nossas verdadeiras causas de morte, de forma a traduzir nossos sofrimentos em vida. Por favor, não nos deixe cair no esquecimento.

Arreia é um duo estreado pelas artistas Iara Campos e Íris Campos, que tem a direção do mestre Paulinho 7 Flexas. O enredo constrói a relação entre as tradições indígenas sobre o universo dos sonhos, a criação do Caboclinho 7 Flexas do Recife e a relação afetiva das artistas com a Agremiação. Além disso, Arreia se ancora na ancestralidade indígena que Íris, Iara e Paulinho 7 Flexas têm em seu tronco, construindo uma narrativa que honra seus antepassados, traz à tona a resistência dos povos originários em diferentes contextos e aponta reflexões para novos conceitos de preservação e manutenção de suas culturas.

Ato Parental são experimentos audiovisuais do espetáculo escrito a partir das experiências, encontros, rodas de conversa, workshops e oficinas com jovens pelo núcleo artístico da Cia. Arthur-Arnaldo entre os meses de agosto de 2017 e novembro de 2018 como parte do projeto )entre jovens( contemplado pela 30a edição do Programa Municipal de Fomento ao teatro para cidade de São Paulo. Os vídeos fizeram parte da ação contemplada no módulo I, Maria Alice Vergueiro, do Inciso III da Lei Aldir Blanc no município de São Paulo, através da Secretaria Municipal de Cultura.

BECKETTFEST é uma mostra de três peças-filme experimentais da Theatro Technis que recriam textos curtos do dramaturgo irlandês Samuel Beckett. Dando continuidade à pesquisa da companhia, com enfoque na direção de atores e no uso do texto bilíngue português-inglês alternadamente em cena, as montagens se desafiam a traduzir o sentimento de estranhamento dos textos originais para um novo formato digital.
TEATRO foca nas falas incessantes de três cabeças desmembradas, de um homem, sua esposa, e sua amante, enquanto recontam vertiginosamente suas experiências dentro do triângulo amoroso. É, ao mesmo tempo, uma farsa e um tipo de inferno.
Fôlego: Choro, inspiração, expiração, choro.
WW desenvolve-se no interrogatório e incansáveis perguntas disparadas pelo implacável Bam a Bim, Bom, e Bem, enquanto sua própria voz rege toda a ação. É uma espécie de consciência reflexiva em constante ato de tortura.

“Bruxa preta em RE-TOMADA – Travessia cinematográfica de dança” é um espetáculo-experimento digital. Em cena: bruxas, curandeiras, guerreiras, feministas habitam o corpo negro feminino em uma jornada de transformações. Dançam em denúncia. É o levante de lutas por territórios e existências, na batalha pela re-tomada de suas próprias histórias. Luzinete Silva nos convida ao agora, em conexão com a terra, cavando a si mesma junto às raízes e rituais da ancestralidade afro-brasileira e indígena. No chão híbrido das telas cibernéticas, a mulher dança, e se faz dança em comunidade, em um plugar de memórias e trajetórias.

Quantas caras têm os esconderijos das cáries?

Queria ir lá fora
"É perigoso!" todos dizem agora
O jeito é ficar em casa
Fazendo a mesma coisa sem graça
A diversão está encaixotada
E pode te colocar numa cilada
O que quero dizer é:
A Ó1É Cia de Dança
Te convida a uma mudança
Vamos brincar de um jeito diferente
Ainda que seja na casa da gente
Já se preparou para essa aventura?
É preciso ter muito jogo de cintura
Não esqueça seu chapéu
Anote tudo em um papel!

Chumbo é uma experiência hibrida entre as linguagens da dança, performance e cinema. O performer cria um percurso de movimentos inspirados pela plasticidade do elemento chumbo e as consequências do uso do mesmo pelo ser humano. Som, luz e câmera se relacionam com as narrativas corpóreas propostas.

Um queria ser piloto de corrida. O outro gostava de ouvir a quietude. Vieram da terra onde, afirmam alguns, as crianças já nascem mortas ou envelhecem ainda meninos. Da rua. Texto, movimento, paisagens sonoras numa fábula que se pergunta sobre amizade, adoção, abandono. E os des-abandonos.
Entre a infância e a adolescência, marcados pela orfandade e o abandono da própria família. Dos orfanatos às ruas das grandes cidades, a fábula dos garotos revela a importância da empatia, do diálogo e do afeto nos dias de hoje, numa sociedade marcada pela intolerância e pelo preconceito.

A saga de um jovem casal sem filhos que se encontra no período mais difícil de seu relacionamento: A pia da cozinha está quebrada e eles aguardam ansiosos pela visita da bombeiro hidraúlico.
Mas não se engane, nesta comédia cínica qualquer detalhe tem um equivalente pisicanalítico e as piadas mais clownescas são metáforas de traumas profundos. A amiga do casal, Claudia, representa o seu futuro filho, e o bombeiro, o seu amado emprego.

O Projeto sonorocoreográfico é um fluxo de estudos sobre som, voz e movimento, iniciado em 2020. Os estudos investigam as interações criativas entre sons e gestos vocais-corporais como dispositivos co dependentes em um processo coreográfico.
Numa estrutura de loopdance, ‭ ‬a performer grava ‭ ‬sua própria voz, percussão corporal e sons respiratórios enquanto move seu corpo compondo diferentes traçados‭ ‬ coreográficos ‭ ‬e‭ ‬ ‭ambientes‭ sonoros‭ ‬ em‭ ‬ ‭ ‬repetição.‭ ‬
Em 2021, o projeto gerou o experimento de dança para vídeo “Cordeiro Místico”, apresentado na 8a edição do Dança à Deriva. O título faz menção à obra‭ ‬Adoração do Cordeiro Místico, pintada pelos irmãos Van Eyck, no século
XV,‭ ‬ ‭ ‬em‭ ‬ ‭ ‬que‭ ‬ ‭ ‬um‭ ‬ ‭ ‬cordeiro‭ ‬ ‭ ‬de‭ ‬ ‭ ‬Deus,‭ ‬ ‭ ‬representado‭ ‬ ‭ ‬com‭ ‬ ‭ ‬olhos‭ ‬ ‭ ‬humanos,‭ ‬ ‭ ‬é
adorado em ato de sacrifício. Juntando canções e sons religiosos em repetição ritualística, o trabalho invoca estados advindos de práticas de rito, encantamento e transe, tendo como provocação as discussões do livro "The disappearance‭ ‬ ‭ ‬of‭ ‬ ‭ ‬rituals”‭ ‬ ‭ ‬(O‭ ‬ ‭ ‬desaparecimento‭ ‬ ‭ ‬dos
rituais), do filósofo Byung-Chul Han (2020). Para Han (2020), enquanto a hipercomunicação digital produz uma comunicação sem comunidade, os rituais trazem a comunidade para o corpo. Nessa chave ritualística,‭ ‬ o projeto explora‭ ‬ a repetição‭ ‬ como ferramenta ‭ ‬de permanência e a construção de estados ligados a um suposto “corpo comunal”, um quase transe de comunhão com simbologias coletivas. Congregando
ciclos repetitivos de‭ ‬ respiração, ruídos, ‭ ‬vocalizações, gestos,‭ ‬canto
barroco, spiritual, pontos, cantos difônicos, a estrutura evolui de uma ordenação coreográfica à construção de um fluxo dançomaníaco.
Desde janeiro de 2022, o trabalho segue em processo de criação, manipulando-mantendo-alterando elementos já encontrados, com intenção de estrear uma obra sonorocoreográfica (presencial) em novembro de 2022. Com apoio do Proac-04/2021, o projeto terá colaboração coreográfica do artista moçambicano Horácio Macuacuá, em residência intensiva durante o mês de maio.

“Quem vem cá, que entre consigo, carregando as velhas sempre novas casas de si. Pelos pisos e paredes da vida agora comum se achegam os fins das muitas moradas. Quando, então, ao sumir o último sol, formos terra, água, fogo e ar, nos encontraremos para as boas-vindas de quem já partiu - e que hoje volta a partir.”

dancei acordada.e e estava sonhando [2021]
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dancei acordada.e e estava sonhando é uma videodança elaborada a partir da experiência em derivas solitárias no período de isolamento social, feitas por Carolina Minozzi na cidade de Mairiporã (São Paulo - SP).

As derivas solitárias eram uma prática diária, na qual a artista não estava interessada em realizar determinado percurso, mas estar presente no tempo e à escuta do ânimo dos lugares por onde passava. Desta prática sensível foram se fazendo suas trajetórias e danças-sonhos que expandiam a ideia de público para seres não-humanos.
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Este vídeo foi criado durante a pandemia, a partir do material gerado nos encontros de improvisação do grupo, através da plataforma zoom. Utilizamos recursos analógicos simples de intervenção nas câmeras de nossos computadores, o que provocou alterações no espaço de nossas casas e estimulou novas coordenações de movimentos.

Durante o período pandêmico, de muitas perdas e esperas, o que te fez seguir em frente? Existe aquela lembrança que você recorre nos momentos difíceis? Qual memória que te move?
Nós, do grupo Vaca Amarela, nos fizemos essa mesma pergunta e, como resposta, criamos cinco solos no projeto “Em Memória” – uma pequena homenagem aos momentos simples e importantes da nossa vida.

No período de um ano, três personagens ingressam em uma jornada de autoconhecimento para questionar tradição, família e identidade, propondo um olhar esperançoso para a nova realidade que se aproxima. Mesclando linguagem teatral, audiovisual, videoclipe e performance, com elementos do universo Queer, o filme-peça apresenta uma trajetória de renascimento, quando a única maneira de ressurgir é queimar o que não tem mais sentido.

Uma canseira tem se impregnado por todos os cantos desse país desgovernado. Na cidade tudo parece normal até que paremos para olhar com mais detalhes a devastação que nos cerca. Nos parques o incêndio criminoso destrói a vegetação do local, o ar fica denso e de uma cor amarelada intensa. Tudo é cinza. Ainda pensamos na possibilidade de respirar com alívio e sossego. Poderemos? Esperamos. Pensamos, nos debatemos em pensamento e nos cansamos pela angústia do presente. E se um ser fantástico se teletransportasse de uma outra dimensão para a Terra, o que ele sentiria ao presenciar esse cotidiano em ruínas? Como comportaria o seu corpo ao presenciar a destruição? E se esse corpo tivesse uma cabeça de tamanho desproporcional que cruza os espaços desestabilizando e condensando toda essa canseira humana no meio da sua caixa craniana? Ai que canseira, ai que preguiça…

O espetáculo “Transpassar” de dança contemporânea é composto por performances-partituras corporais individuais, vídeo-performances, costurado por coreografias coletivas e organizado de maneira poética e reflexiva. Trata-se de uma montagem em que as inquietações vividas em 2020 dentro de casa foram colocadas em cena. Assuntos como o vazio, a fragilidade, a hiper-virtualização e a ausência são abordados na montagem.
A respeito do processo criativo, trata-se de uma composição em que os intérpretes foram co-criadores. Estes investigaram-se como indivíduos e o seu próprio entorno, com base na Técnica Klauss Vianna. Durante o processo, nos propusemos a questionar as marcas e traumas que apareciam no corpo no período de isolamento.
Em "Transpassar" nos questionamos sobre o que realmente ficou, atravessou e transpassou o corpo coletivo. É a busca pela experiência que atravessa, é um ato de sobrevivência do coletivo que busca tirar da anestesia quem o faz e quem o assiste.

Quais as fronteiras físicas e simbólicas impostas pelo distanciamento? Que exaustões se fazem presentes no contato constante com o virtual? E quais são os efeitos desse cenário nos nossos sentidos e sensibilidade? Andamos com uma tela de luz branca nos olhos, andamos vendo coisas demais. Onde essas coisas ficam guardadas? “Estamos todos olhando para uma mesma janela” é um video arte experimental que surge do trabalho de pesquisa do OBARA – Grupo de Pesquisa e Criação durante a pandemia de Covid-19. A partir do improviso com partituras de movimentos corporais e frases dramatúrgicas de Bia Miranda, os integrantes se debruçam sobre as possibilidades de contato e escuta dentro da virtualidade. Temos sentido?

O que era o futuro? Aquilo que esperavam não tinha vindo.

Os sentidos traçados em “Estio” (2018) são postos em perspectiva e reposicionados em “Estio_rito em lapso” (2021), uma obra audiovisual produzida em contexto pandêmico, de modo predominantemente remoto (ensaios, gravações, pós produção). Acreditando que as obras se atualizam com os tempos, bem como atualizam os tempos, pergunta-se que respostas ao presente “Estio” pode oferecer. Entrecruzada por futuro, isolamento, precariedade, exaustão, sobrevivência e conflitos, esta criação é centrada na ideia de distopia coreográfica. Nela, o Nii/Colaboratório levou em consideração a pandemia iniciada em 2020, investigando, ainda, que danças emergem quando o virtual e o real são equivalentes.

Como insistir frente à desolação e ao esquecimento? Futuros ainda podem ser
inventados?

O Eu Livre em Mim é um estudo sensível que busca refletir sobre reconhecer as próprias sombras, a relação do tempo com o corpo e experiências sensoriais em torno do nascimento e a morte a partir de trajetórias pessoais.

Um recorte de imagens e imaginações sobre um corpo em colapso. Uma dramaturgia de corpo, de sintomas, de crise. Um convite para pensarmos em uma sociedade que cria a noção de mulher para adequar às suas normas violentas. A videoperformance foi criada durante a pandemia, pela artista Juliana Pautilla, através da Lei Aldir Blanc-MG. É uma versão filmada da peça Exília, que mantém a dramaturgia, mas usa três locações distintas (palco, corredor de casa e a rua) e três dispositivos de imagem (câmera, celular e projeção) para pensar nos aparatos tecnológicos de confissão contemporânea.

Videoperformance-instalação criado a partir da performance Fechos, para o suporte audiovisual. Tem como disparador elementos autobiográficos para sua concepção. Quais são as amarras que dominam e sufocam a corpa? Quais e quantas violências se inscrevem na corpa? A partir do objeto sutiã, a performer propõe gestos de acumulação, sufocamentos e subversão a partir da relação entre o que violenta, o que sufoca, o que fecha. Quantos são os fechos que cercam? Quantos são os fechos que cabem antes de serem abertos? Da insistência no fechar, do que salta aos olhos e que se
transforma. Da insistência em continuar fechando, colocando e acumulando.

Como a pandemia tem nos coreografado? Que gestos são necessários, possíveis, urgentes? Que gestos surgem quando a mediação das relações e afetos são as telas?
“Gestos barreiras” é uma série de três vídeo-danças que dão a ver diferentes aspectos do gesto no contexto da pandemia do Covid-19. São três estados de um mesmo tempo organizados em dramaturgias gestuais de listas: “Sustentar a falta” sublinha aquilo que aparece na falta, na impossibilidade do fazer, em que a produtividade dá lugar a gestos possíveis entre a sustentação e a desistência; “Barrar em gestos” traz a literalidade da ação de barrar sublinhando aspectos desapercebidos na repetição exaustiva - e necessária - do cotidiano; “Não esquecer dos gestos de acolhimento” se voltam para a imaginação de outros gestos possíveis que, assim como anticorpos, protejam os corpos de ameaças externas a partir de dentro dos organismos e das casas. Seja pela paragem, pela repetição ou pela imaginação, a série “Gestos Barreiras” é uma aposta na sensorialidade do meio audiovisual como modo de criar experiências sensíveis e possíveis.

“Abigail e Olívia são primas que, em um domingo qualquer, numa pandemia não tão qualquer, estão cortando e conversando abobrinhas. Eis que começam a reconhecer o estrago do mundo e acabam cortando os próprios dedos, banhando-se de sangue. Através do nonsense, da ironia, sarcasmo, humor ácido, debochado e pastelão, “Hoje Mais Cedo Vi Um Gato Comer a Língua de Um Porco” faz rir e, ao mesmo tempo, poderá deixar o espectador moralmente culpado por ter rido; bem como poderá fazer chorar. Nesse espetáculo o que se tem é diversão e angústia (às vezes ambos beirando o insuportável), duas emoções que, à primeira vista, se desencontram, mas que essa obra faz o paradoxo funcionar.”

Tendo como interface as despudoradas janelas do Edifico Mirante do Vale, no coração de SP, o filme nos convida a acompanhar uma jornada íntima e vertiginosa do seu reencontro presencial, após um ano de isolamento e interações virtuais.

Como não deixar o corpo e a vontade esmorecerem diante de um horizonte com vista para o caos? Como inventar sentidos para continuar dançando e criando arte diante da intimidação e limitação provocadas pelos acontecimentos recentes?

Essas são algumas perguntas que impulsionaram o Grupo Grua para esta performance.

LA CODISTA_BR é um espetáculo solo sobre uma mulher que decide criar uma profissão através de uma palavra inventada. Codista. Aquela que fica na fila para os outros. Algo aparentemente simples, mas é um trabalho que oferece mil possibilidades já que as filas e as pessoas são diariamente diferentes. Durante sua história na fila, ela acaba vivendo um pouco de cada um das vidas daquelas pessoas, como se ela pudesse ser muitas em uma só, fazendo da sua espera uma profunda observação do comportamento humano. LA CODISTA_BR flerta com a solidão, a superação e o amor àquilo que se faz.

LA CODISTA_BR, escrito primeiramente em italiano, pela dramaturga holandesa Marleen Scholten, agraciado pelo prêmio nacional de dramaturgia 'Antonio Conti' na Itália, foi traduzido para o português por Pedro Uchoa através da Chamamento Cultural da Embaixada dos Países Baixos, que contemplava também a criação do espetáculo remoto feito pela atriz Monique Vaillé com direção de Cesar Augusto que foi apresentado ao vivo dentro da programação do festival Cena Contemporânea de Brasília em Dezembro 2020 com mais de 900 visualizações.

LA CODISTA.DOC mostra o processo de criação remota do texto teatral da dramaturga holandesa Marleen Scholten, desde a tradução do texto, escrito originalmente em italiano e montado pela primeira vez pela própria dramaturga, até a sua estreia num festival de teatro online de Brasilia. O documentário mostra todas as etapas do processo de criação do espetáculo solo performado por Monique Vaillé, dirigido por Cesar Augusto e traduzido por Pedro Uchoa, além de todos desafios encontrados pela equipe formada por nove artistas sem nenhum encontro presencial. Como fazer teatro através de um tela? As 70 horas de ensaio em 30 encontros estão sintetizadas nesse documentário, que deixa o registro de como os artistas tiveram que se reinventar o teatro durante a pandemia de Covid 19. O trabalho foi realizado através do Chamamento Cultural da Embaixada dos Países Baixos.

Inspirado no poema "LIRA I" de Mario Quintana, o trabalho foi desenvolvido pensando nas costuras e amarras "metaforadas" pelo poeta em sua obra e pelas vivências frágeis experimentadas pela intérprete durante o período de criação do vídeo. Além disso, o trabalho explora o estado de corpo sufocado, uma situação também recorrente no nosso cotidiano durante esses anos pandêmicos.

Lágrimas Fritas [uma peça-filme] conta com dramaturgia e atuação de Laís Marques, sob direção de Bruno Perillo. A obra lança mão da metáfora de uma mulher em busca da própria bússola enquanto navega em alto mar. Uma coleção de figuras afetivas femininas da própria autora-atriz atravessam a narrativa: as aventuras da bisavó imigrante, as perguntas infinitas que faz à avó, as semelhanças com a mãe e, ainda, as passagens mais significativas ao longo dos 7, 17 e 27 anos de sua vida, tendo como pano de fundo os principais acontecimentos do Brasil e do mundo.

As questões enfrentadas pela personagem ultrapassam os limites da ficção e se referem aos desafios vivenciados diariamente pelas mulheres diante da opressão do patriarcado. A intenção principal é criar uma relação dinâmica entre o microcosmo da personagem e o contexto geral no qual estamos invariavelmente inseridas.

O espetáculo “Lírio e o Andarilho” é uma obra que retrata, a partir da linguagem
performática do teatro, a vivência de uma pessoa não-binária e suas relações familiares.
Sobre este retrato de vida, convergimos esse tema central com os recortes de pautas da
sociedade como: feminicídio, o patriarcado e saúde mental.

A obra é criada a partir da metodologia de artistas paraenses que compõem o elenco e
pesquisa, dialogando com profissionais da cena paulistana também. O espetáculo traz para
a cena as potências do teatro paraense, usando o tecnobrega, os rios da bacia amazônica e
a vegetação da floresta como estéticas na encenação e pesquisa./

https://drive.google.com/file/d/18sUovcaue9NOngZWMVDDicZPECJFHhmK/view?usp=sharing - Release

Uma criatura que atravessa um espaço de fitas entrelaçadas, cria e recria significâncias do apocalipse contemporâneo. Estamos presos em um emaranhado sem fim.
Cada ação, boa ou má, tem consequência.
Queimadas, vírus, desmatamento, guerra, marco temporal, assassinato de indígenas ...
MANIFESTO!!! propõe repensar o antropocentrismo.

A obra carta de Zoe (NY) foi escrita em 1992 e inspirada na campanha presidencial da poetisa e candidata Eileen Myles, lésbica e ativista. As palavras confrontam a dominação de candidaturas cis-hétero-masculina-branca aos principais cargos de poder. Em 2016, posters gigantes do poema foram instalados em museus e espaços urbanos estadunidenses, numa ação frente ao iminente projeto racista, classista e lgbtfóbico eleito aquele ano.

Brasil, 2021, a revolta ainda queima. Em vídeo, a CIA inspira-se no texto de Zoe Leonard afirmando outras nossas urgências, desejo de rever a partir daqui.

Cruzando elementos das linguagens do teatro, do cinema e das artes visuais, Manual para náufragos tece uma rede de histórias reais e ficcionais sobre as migrações no mundo atual. A condição estrangeira, o sentido de pertencimento, as relações de alteridade e a transitoriedade que marcam a vida dos que habitam fronteiras estão em debate neste solo para um performer e muitas vozes.

O potencial de criação e recriação do ser humano, numa perspectiva feminina. Com cinco vozes femininas, o texto costura a metáfora daquele momento limítrofe da criação, em que uma decisão tomada, num lapso de segundo, muda para sempre a trajetória de nossas vidas.

Preparem seus corações e suas bochechas para se apavorarem de tanto rir!
O mundo foi acometido por uma epidemia de insônia que impede a todes de dormir, descansar e sonhar por um segundo sequer. Entretanto, surge um mistério que pode mudar o rumo da epidemia.

Es palhaces Tertúlia, Jabotinha e Bufinho Marofa embarcam nessa aventura horripilante em busca da tão desejada soneca.

E vocês, será que vão conseguir dormir depois dessa jornada?

O trabalho é uma costura poética entre as obras de José Leonilson e Vânia Mignone. Pesquisando as camadas da linguagem e da abstração através do corpo e obra, o solo é movido pela pergunta de Leonilson “Qual a distinção entre verdade e ficção?”

MÚSICA NOS OSSOS [2021]
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“Música nos ossos” é um trabalho de dança e audiovisual que dá continuidade à pesquisa solo “à escuta”, de Carolina Minozzi. Esta criação persiste na questão de como o som e a escuta profunda afetam os corpos e instauram um campo de práticas que cruzam investigações em torno da percepção, presença e ficção como catalisadoras de processos psicofísicos, tendo o ambiente virtual como espaço de encontro e matéria para criação.

Escrita–colagem e acústica do texto La Voz Del Cuerpo de Mónica Valenciano, feita pela dramaturgista Ana Krein:

"o silêncio pode ter diferentes volumes
visível através do que evita
esse espaço nos vincula
os ritmos das presenças criam vínculos
seu corpo no meu espaço
espaços fantasmas
o zoom do corpo
os ritmos das presenças criam vínculos
você está no que falta?
a ausência em movimento
a audibilidade da cor
a audibilidade do espaço
arquitetura nômade
corpo labirinto
penetra e deixa espaço para sua acústica
meteorologias do corpo
dentro da cor o que há?
dentro da música o que há?
a pele da obra é a vibração do seu próprio esqueleto"

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"Não Temos Mais Como Fugir Uns Dos Outros" é o resultado audiovisual da ressignificação da pesquisa do OBARA - Grupo de Pesquisa e Criação em meio à pandemia (de Março à Agosto de 2020). O Vídeo foi ganhador do Prêmio Funarte Respirarte 2020.

Alicerçados pela Técnica Klauss Vianna e pela direção e orientação de Lu Carion, os intérpretes retomaram a exploração da fricção entre textos poéticos da dramaturgia de seu último espetáculo, e partituras corporais pesquisadas pelo grupo.

Questões como a saudade, o luto, a ausência do toque e a desconexão com o próprio corpo e com a realidade se mostram ainda mais intensas. Como cada um, de sua própria casa, se deixa afetar pela repetição de um cotidiano tomado pela espera? Como as ausências, os vazios e a virtualidade excessiva afetam nossos corpos e percepções? Poder sair é bom!?

O retrato da condição fragmentada e dispersa a que estamos sujeitos atualmente vem à tona, então, em uma narrativa descontínua e repleta de vazios - internos e externos - dentro das possibilidades de aproximação que a câmera e as telas nos permitem.

Em algum lugar, que não é aqui, Bianca, Milena, Vinícius, Mães, Filhas, Filhos, Cães e... e... qual a palavra mesmo? E... Bianca, Milena, Vinícius, Mães, Filhas, Filhos, Cães e... e... branco geral! Em algum lugar, que não é aqui, talvez Bianca, Milena, Vinícius, Mães, Filhas, Filhos, Cães, cartas, fotos, slides, cigarros, talvez gerações inteiras de famílias, talvez pernas bonitas, talvez uma dor de cabeça, um ausente, um branco, um vazio. O que tem de real aqui? O que tem de real aqui é talvez o vazio. E também o… o… o… qual o nome dele mesmo?

O filme se passa em um teatro vazio durante o período de intenso isolamento social em meio a pandemia de um Brasil desgovernado. Ao mesmo tempo que uma peça é encenada para uma plateia sem público e narra o encontro artístico e afetivo entre Anaïs Nin e Antonin Artaud, os atores fazem reflexões sobre a vida e a arte. O erotismo, o desejo do artista de resistir mesmo em tempos tão sombrios são o centro dessas reflexões e o casal de atores dão seus testemunhos sobre o amor e a morte, lutos sofridos, o contágio da covid-19 em meio ao ápice de 600 mil mortos pelo corona vírus, unindo-se aos registros do caos social instalado em meio ao governo fascista do presidente Jair Bolsonaro. Entre luzes e trevas, entre ápices e abismos, entre um gozo e um luto o filme costura passado e presente, ficção e realidade sobre o encontro amoroso e os tempos de peste.

A Radionovela homônima "O Beijo no Asfalto, cenas fantasiadas para um não palco" surge a partir de estudos da peça de Nelson Rodrigues ‘O Beijo no Asfalto’.
Propondo um estudo sobre o universo da peça o grupo escreveu a dramaturgia de oito cenas inéditas discutindo e propondo reflexões como: Quais fatos Nelson Rodrigues não escreveu? Que histórias deixou de contar? E se uma fala mudasse o rumo da história? Que novos rumos podem ser tomados? O que acontece depois da última cena? Por qual olhar você escolhe ver as coisas?

O término de uma relação anuncia a chegada de tempos tristes, a melancolia paira sobre um apartamento na cidade, onde um homem vive sozinho avesso a am igos e a visitas. No entanto, na m adrugada de m ais um a noite solitária, ele recebe uma visita inesperada: um Rato aparece para destruir tudo e dar novo sentido à sua vida.

Jogo interativo em que você descobre se é um Einstein ou um Einstênio.
Seis personagens confinados num jogo de múltiplas opções se deparam com o seu destino dividido em colunas coloridas.

PT
Durante a pandemia, uma mulher perambula à procura do príncipe real enquanto conhece Lisboa.
Placas, pedidos de informação e desejos íntimos traçam um percurso no qual sonhos e vida real são colocados sob a mesma perspectiva.

EN
During pandemic times, a woman wanders around looking for the real prince while she gets to know Lisbon.
Signs, information requests and intimate desires trace a pathway in which dreams and real life are put on under the same perspective.

Sinopse: Com a liberdade, almejamos o isolamento. Com o isolamento, sonhamos com a liberdade. Mas a questão é: Quais desses ambientes deixam realmente o seu corpo falar?. Há momentos em que a boca precisa ser fechada para que o corpo possa ser escutado, dançado, atuado e poetizado.

O vídeo dança/performance tem como proposta compartilhar com o público as inquietações, reflexões e questões encontradas pelo artista durante o isolamento social. O material compartilhado é um desdobramento da união entre as linguagens artísticas, dança, teatro e literatura, que pode trazer novas reverberações a partir da temática da dança e de reflexos apresentados durante os sonhos do artista e apontando discussões para questões raciais.

O jangadeiro Jacaré desaparece em 1942, forjando um enorme buraco. Na história, na rede ou no tecido do espaço e do tempo, essa fenda apresenta inúmeras hipóteses a respeito do seu sumiço e da sua saga. A fábula do nordestino em direção ao epicentro do Brasil toma outros rumos, ​inaugurando novas possibilidades empreendedoras com a profecia do seu reaparecimento.

O que mostrar enquanto dança?
A possibilidade da luz como extensão do corpo do dançarino é muito grande, fazendo a própria luz, de modo que nem isso é controlável, cada vez mais questionamos essa condição do o que realmente controlamos sobre o que mostramos para o outro…
Dançar no escuro, a luz como gesto, o olhar misterioso que explora o surgimento das sombras, e a sombra como possibilidade de alteridade, dançar no escuro, o que mostrar na luz? E o surgimento da sombra, como dançar um duo com ela?

O trabalho é um manifesto onde trato do meu processo criativo. O corpo da mulher em envelhecimento. As questões do envelhecimento e a vontade de ser quem se é. É sobre a mulher madura que quer continuar a ser, a criar, a sonhar.

Filme independente da artista Zeferina produzido em parceria com a Umbucajá Produções e o Coletivo Estúdio Nois, com o apoio da Ybmusic, A Terra de Rosa e Trança d' Preto.

Essa é uma homenagem ao orixá Obaluaê e as vítimas que partiram pelo vírus da COVID-19.

Olwàiyé é chão de terra e força para alma, transmuta potência e unicidade. É tempo ancestral, reflexão da cura da humanidade no Àiyé.

Uma reza forte na imersão involuntária de entrega e amor, regando a terra seca com fé molhada em cada música.

David Hinton criou Birds, uma videodança com pássaros, disruptiva e provocativa. Como um
videodança resposta a Hinton, através do trecho de um poema de Hilda Hilst, o trabalho constrói uma dramaturgia coreográfica da insurgência de corpos não humanos. Em uma dança coletiva e social subvertem os acontecimentos que a humanidade impõe e que, através do movimento e senso coletivo, restituem seu espaço no mundo.

Este trabalho é fundamentado na pesquisa OBJETOSUJEITOBJETO, iniciada em 2019 e segue em desenvolvimento, baseada em conceitos e aspectos da Ontologia Orientada dos Objetos, especialmente a "flat ontology” que pressupõe que todos os entes de todas as relações do mundo tem a mesma relevância, humanos, não humanos, orgânicos, sintéticos, reais ou abstratos. Essa ideia retira do ser humano o caráter de autoridade plena e ativa uma escuta inter sistêmica para afetos e outras corporeidades com as quais coexistimos.

Parte 1 de três que compoem o todo do trabalho em diferentes suportes: em vídeo, performance e fotografia. As três partes que compõem o todo partem de um trecho do poema Amavisse de Hilda Hilst para a construção de uma dramaturgia espiralada mapeada sempre a partir do outro, convidando também o espectador para observar atentamente e além.

Quem é a menina que o rio não pode levar?
Durante e performance multimídia “ophelia is a-live” a personagem clássica é reinterpretada em uma tentativa de imaginar outras narrativas possíveis para o desfecho da história. Levando sua tragédia pessoal à luz do conceito de gaslighting, a performer diáloga com a personagem por meio de relatos autobiográficos e da implicação de quem as observa. Uma convocação sensível para vozes que, levadas em tormenta pela corrente, resistem sãs.

Durante a pandemia em total isolamento o artista reflete sobre a solidão e o processo criativo. Pândemico Espetáculo 2021 e Distopia Curitibana 2021. São o retrato torturado desse período distopico de nossa história.

Nesta criação, inspirada pelos movimentos de seu pai que sofria de Mal de Parkinson, Zélia explorou a relação do corpo com o tapete da casa de seus pais, tecendo um dueto que se constrói entre camadas de memória, tapete, programa de rádio e câmera.

Numa sociedade de excessos de informação, imagens e discursos, PEÇAS DE CONVERSAÇÃO fala sobre uma ética da distância entre indivíduos, sobre a necessidade de uma escuta preenchida pela empatia. Duas mulheres e um gesto mínimo: estar de mãos dadas. uma imagem escapa a qualquer tentativa de redução, mas a simplicidade do gesto nos reconecta e nos impulsiona para fora da paisagem do desastre. Um entrelaçamento dialético de posições que se articula e se reinventa a cada instante em suas muitas formas disjuntas. A leveza se contrapõe a uma estética do desastre, em direção ao restauro.

Pequena dança para uma reflexão sobre como sobreviver à hecatombe 2.0 é um estudo e um manifesto sobre manter-se em pé no contexto político-sanitário desastroso do Brasil de 2020/2021. A prática traz camadas de tradução sobre o conceito de Small Dance, do bailarino estadunidense, Steve Paxton, como também um olhar para o corpo arquitetônico, concreto. Com um quê futurista, propõe um olhar crítico e poético para a percepção e criação de um corpo resistente e atuante contra a lógica produtivista de cooptação dos corpos. Meu corpo é minha revolução e meu levante é estar em pé!

Duas mulheres. 50 e 60 anos.

Mais uma mulher.

Mais uma.

E mais uma.

Mais ...

Caminhos atravessados, despedaçados, feitos no presente, rumam para contar suas histórias.
Vozes em movimento, corpas em movimento, na encruzilhada, no entre, no SUL.
Entre cada uma de nós.
Entre conversas, anseios, lutas.
INSOLENTE é sobre seguir em frente, mesmo com medo.
É sobre observar as ranhuras feitas na pedra, fruto de tempos pelas águas do rio, ora calmas, ora violentas, ora profundas.
É sobre as águas profundas de nós, mulheres.
INSOLENTE envereda-se por raízes de luta, olhando para essa insolência em comum em tantas mulheres, na busca por emergir pistas para um mundo com mais equidade e menos opressão.

Ficção cientifica de baixo orçamento. Uma peça-vídeo cheia de defeitos especiais e muita fita creepy. Pânico Vaginal narra trajetória de uma super-heroína que opta pelo Armamento Intimo - Um procedimento em que pode-se instalar no canal vaginal ou anal: pistolas, escopetas, fuzis, rifles, metralhadoras - Tudo hipoalérgico e disponível também nas versões rosa, roxo e gliterizado.
Inspirado no universo do quadrinhos, o trabalho tem como referência central a performance Genital Panic de Valie Export que adentrou um cinema pornô nos anos 60, segurando uma metralhadora e usando as “Action Pants”. Trata-se de uma calça que deixa a vulva exposta. Valie ficou parada em frente à tela, armada e parcialmente nua. Esse gesto de enfrentamento, tesão e cumplicidade é o mote criativo do trabalho. Temas como sexualidade e gênero, são eixos estruturais da peça-vídeo, que buscam o humor como forma de expressão. Além disso o trabalho dialoga com os quadrinhos Minha coisa favorita é Monstro, da americana Emil Ferris; e A Origem Do Mundo: Uma História Cultural Da Vagina Ou A Vulva Vs. O Patriarcado, da sueca Liv Strömquist.
Pânico Vaginal é uma ficção cientifica de baixo orçamento que lida com a falência das relações normativas, transportadas para um futuro hiper ficcional e distópico. O deboche, a ironia, o humor cercam toda a jornada da personagem Georgia, nome inspirado na música Georgia, A Carniceira, da banda pernambucana Ave Sangria. A protagonista passa a integrar a Armada das Armadas e tenta lidar com as próprias contradições ao longo da narrativa.

Nosso Quarentena Talk Show, um programa de entrevistas e variedades com séria restrição orçamentária está no ar! O entrevistado do dia é o ator, palhaço e produtor Tiago Marques, quem dá vida ao próprio Ritalino. No decorrer da obra fatores inesperados acontecem e o programa precisa seguir por outra direção.

Se encontrar em um ‘’não-lugar’’ ou em um espaço ‘’entre’’ abre para pensar que casa pode ser olhar, casa pode ser gesto. Nesse gesto eu descubro a minha morada. Imagens de arquivo pessoais narram os meus deslocamentos constantes entre os estados de Minas Gerais e São Paulo.

O que significa pertencer a um lugar? Partindo do texto “Pedreira das Almas”, de Jorge Andrade, utilizamos diferentes ferramentas de estudo para explorar esta questão. Estas convergem para a criação de um material audiovisual que flagra a etapa atual deste processo: uma investigação sobre a relação da tradição, revolução e liberdade com o ato de pertencer. Seis corpos se encontram após 2 anos apartados e precisam decidir entre ficar em seu território ou partir para o desconhecido da liberdade, representado pelo único corpo que se encontra a 9.243 quilômetros de distância dos demais.

Após dezoito meses de encontros mediados pelas telas, quatro intérpretes esperam para entrar em cena. Enquanto isso, submergem em seus processos criativos, em suas memórias, urgências, dilemas. Enfrentam um embate com o tempo, as ausências, as novas formas de presença e com os (in)cômodos de uma casa que agora também lhes serve de palco.

"SÓS: AO CAIR DE MIM MORREREI VIVENDO" é uma peça de acontecimento cênico-virtual, realizada online e ao vivo. ÉPOCA DA AÇÃO: Desconhecida. LOCAL: Sala de videoconferência. PERSONAGENS: 0506, 1103, 1310 e 1511 (ou Caos, que é a própria escritora dessa história). ACONTECIMENTO: De maneira desagradável e desconfortável, a escritora da peça questiona e provoca as demais personagens, até que elas não consigam mais sustentar a imagem que construíram delas mesmas até então. Enclausuradas em suas casas e sem conseguir sair da videochamada, a única salvação parece ser olhar para fora, olhar as outras pessoas, verdadeiramente.

TAPUME

De qualquer maneira, entre os povos de qualquer lugar, se mantêm a expressão da natureza. A terra viva está nos alicerces por baixo das maiores edificações, não há como tapar. Compreender o que acontece com uma planta: o mais importante é o enraizamento.
Muito do que é vida acontece debaixo da terra.
Aquilo que realmente sustenta, nutre e apoia todo o restante. Não importa o que ou quem mais tente obstruí-la, construa por cima, coloque barreiras, imponha limites e feche por trás de uma parede: ela ainda está ali.
TAPUME é demarcação transitória. Olhos virão. Ouvidos escutarão. Repara: tudo está vivo. A natureza sempre está em todos os lugares. E sentir também é natureza.

Em um jogo chamado "telefone sem fio", os artistas se revezam fazendo ligações para descobrir um trabalho original que podem fazer com recursos tão limitados. Ao mesmo tempo, seu estado emocional permite um trabalho tão sensível quanto a arte?
Documentário de ficção.

”Tirando da gaveta o corpo.” conta a história de uma escritora negra que tem sua obra presa em cadernos acumulados em seu corpo-casa. Ela precisa parir suas palavras e se ver representada no mundo. Buscando transmutar mortes reais e simbólicas que cultiva em seu corpo, essa mulher nos convida a caminhar por suas ruas internas, abrir com ela seus cadernos e ouvir suas histórias há tanto tempo guardadas.
Investigando a escrita como arte do corpo, e a invisibilização de mulheres negras escritoras, Cynthia Regina se propôs um mergulho, procurando em 94 cadernos que escreveu ao longo de uma década, que dramaturgia era essa que pedia tanto para nascer.
Encruzilhada entre as linguagens da dança, do teatro e audiovisual, a videoarte “Tirando da gaveta o corpo.” é uma resposta aos apagamentos infligidos às mulheres negras historicamente e uma tentativa de se inscrever no mundo como artista do corpo e da palavra.

Uma obra cênica que reconstitui o ritual cristão da Santa Ceia por um corpo preto, bixa e periférico. Através de escritos autobiográficos, o artista Quemuel Costa evoca suas memórias, infância e consagra a criança viada que foi e ainda habita seu corpo. Com uma proposição híbrida entre o teatro e o audiovisual, a obra reúne uma equipe de artistas majoritariamente pretos na criação de uma encenação filmada em que reconstitui imagens sagradas e profana discursos de repressão.

TRANZMUTAÇÕES PANDEMYKAZ é uma vídeo-arte-documento de processos de performance, gerado por uma perspectiva do sul do mundo. Reunindo artistas que mergulham nas plurais e urgentes experiências de retomadas ancestrais, espaço e território, escuta e afetividade, a obra traz registros que flertam com o documental e revelam o impacto de se criar no cenário da pandemia.

Num tempo-espaço particular, Tântrica sofre suas lembranças em uma meditação ativa e profunda, na tentativa desesperada de se livrar de uma prisão mental onde constantemente revive seus traumas.

Após cumprir três temporadas no teatro, realizando exibições no Rio de Janeiro, São Paulo e Salvador, a obra "Tântrica Santina Forjada em Sangue a Sorte Imaculada e um Homem Morto" ganha a sua versão para o cinema.

Nesta espécie de tragédia do mundo mercadológico, uma artista plástica começa uma relação com um colega de trabalho, tem uma gravidez inesperada e realizando um aborto.
Entre memórias, realidade, sangramentos e devaneios, ela reflete sobre um trauma do passado e abuso em sua vida, ao mesmo tempo em que se dedica a finalizar uma obra de arte.

"Uma janela de vulnerabilidade é um período de tempo dentro do qual as medidas defensivas são reduzidas, comprometidas ou inexistentes" Essa dança torna-se um meio para ressignificar um estado de suspensão dos próprios sentidos, tanto emocionais quanto físicos, em um processo pessoal do corpo que age e expressa a invariabilidade. A inversão do estado real das coisas, e que os humores internos sobressaem a realidade: o chão não é mais tão duro, se torna escorregadio. E o tempo que passa, se torna afobado, incerto. Essa dança remete a esse estado vulnerável e como, nesse momento, corporifico em gestos este estado.

“Y” é um trabalho audiovisual concebido através de exercícios especulativos em torno da palavra “ruínas.” Tomo esta palavra como um emaranhado de questões e interesses políticos que vão desde memórias de sonhos pessoais, a relações políticas mais amplas, como a reflexões sobre a crise ecológica, e a nossa responsabilidade no antropoceno. Realizado ainda em contexto pandêmico, o vídeo tem uma narração textual ora influenciada, ora em citações diretas do artigo “Esperando Gaia” (2021), de Bruno Latour.

Neste episódio de "A última aventura do herói" ¹, o Herói segue em sua busca pelos objetos e continua a caminhar em direção ao mundo cotidiano dos primeiros episódios, onde tudo começou. O fim da saga se aproxima.

¹ O testo do espetahculo, encontrado em data indeterminada, fas parte de uma coletaanea de dramaturjias de ficsaum pohs-moderna. Segundo rejistros, o materiau permaneseu serca de trinta anos esquesido em um depohzito de testos de teatro. A orijem, autoria e trajetohria naum saum coniesidas. Embora escrito com estilo e recursos bastante dramahticos, tratase, aparentemente, de um primeiro rascuhnio de roteiro de "reality show" para o palco. Ateh o momento, naum foram localizados rejistros de montajens realizadas com o materiau.
Na edisaum espesiau do programa do espetahculo, foi seguida a mesma lohjica dos erhos e/ou neolojismos encontrados no testo, asim como as regras ortograhficas e gramaticais vijentes na ehpoca (Brazil 2020), incluindo o uzo de acentuasaum grahfica.